影評讀書會

第三次讀書會

 一、主題簡述

本次讀書會討論主題是比較情色驚悚片<凶線第六感>以及恐怖片<德州電鋸殺人狂>,這兩者類型電影的差異。進行方式是同學自行在看完<凶線第六感>後提交影評,老師在看完影評後提出類型電影影評的寫作需要注意什麼事情,以及驚悚片與恐怖片的差異。在讀書會後半則看<德州電鋸殺人狂>,比較兩者異同。

二、內容摘要

  類型電影因為各種文類的公式,讓觀眾在觀影過程會有所期待,而觀眾則在期待的滿足中得到娛樂的效果。

1.      驚悚片和恐怖片的不同

驚悚片:強調懸疑,要先知道你看的東西是什麼,他的出處和目的。要對電影中某一個角色產生認同感,但是加害者、被害者和偵查者的角色可能會在過程中被置換。

恐怖片:物化了人,人在恐怖片中時常是一種祭品,他們被肢解、物化以滿足觀眾的慾望。觀眾並不會想要知道人物的想法為何、背後發生過什麼故事,僅僅想要看到他沒受害以滿足慾望。

2.      類型電影,他必須要在各個時代都能夠受好萊塢或全球市場的歡迎,例如科幻電影、驚悚電影、冒險片、災難片。像現在最受歡迎的應該是恐怖與驚悚元素結合的電影,不過可能是偏恐怖的元素。類型電影我們必須要常常看,知道他的公式是什麼,像IN THE CUT因為是類型電影,我們才能夠用女性主義的觀點去跟他對話。

3.      商業電影:成本越多,他所需要的回收就會越大,最大的成本是在於演員,換句話說就是用演員的年輕價值來換取全球票房。出資者是很重要的,包括在什麼時候上映、還有電影的分級是什麼,暴力與性愛場景怎麼呈現,都會對他的成本回收有很大的關係。

4.      藝術片,他背後的出資國時常是政府的art funding,他的商業考量比較少,不是要講求獲利,能夠獲利反而是因為要在影展中拿獎而得到全球發行權。因為他不用考慮獲利問題,市場需求和為誰而拍,所以比較可以去拍自己想要拍的東西。In the cut就是屬於藝術電影。

5.      寫影評的時候很重要的一點是要去看出資者是誰,成本是多少、類型是什麼。因為電影都會做市場區隔,當觀眾對象是不一樣的時候,寫影評的方式也不一樣,要知道是為誰而寫,寫給誰看。寫商業影評的時候,當他是一個商業商品時,影評要放在那裏、寫給誰看是不一樣的,最影評者要知道電影是什麼,要怎麼評論他。電影不見得會有高下之分,因為它們是在不同的價值框架中。

6.      類型電影的影評,就要注意到這部電影有沒有做到類型電影的公式,讓觀眾有被娛樂到,回去可以繼續討論,或另一方面他跟這種文類的歷史傳統有所對話,有的話他在這樣的框架中就是好片。專業影評要學的就是文類裡面的意象,他們被訓練辨認文類的結構、公式。同時也會受到女性主義、酷兒(queer theory)理論、後殖民理論的影響,這些東西在好片中是不能犧牲的。如果一部電影沒有辦法在內容中對於後殖民或性別的意象進行反省或重新的詮釋,那我們就會說他是一部爛片。

7.      全球化的電影工業。歐洲導演常常會稱自己是film maker,而不是director,在於他認知自己是在全球化電影工業中的其中一個角色。現今電影的製作是沒有辦法由單一位導演獨立完成的,在現今電影工業之中,幾乎所有電影都是由非單一國家出資完成的,包括導演、編劇、製作、演員、燈光,他是由非常龐大人力物力完成的工作,因此他定位自己是這個體系下的一個環節,是一個film maker,而不是一個film director

 三、每人心得

  家茵:

因為是第一次參加影評讀書會,我才知道原來在寫影評的時候需要有這麼多背景知識,也因此知道自己在寫影評時並沒有將他放在一個框架之中撰寫,而僅僅是用自己在看電影的過程中捕捉到的符號與畫面去詮釋。認知到電影這個巨大工業背後的齒輪正在轉動著,這樣被拉到一個高度去審視看電影這件事情,我覺得獲得很多。

 寧遠:

老師講的內容很有趣(雖然我自己好像有點跟不太上那些思緒)。其實送老師去坐公車,跟大家散步到校門口的感覺也很好,不過當時我沒想到什麼想問老師的。
把《In the Cut》心得放上FB以後,我去找一本很迷你的女權主義來翻,只看了大概40多頁。看到女權主義有很多流派,看到社會建構性別和生理性別的差異、對男女是否/如何差異的說法很謹慎小心,還有有人認為所謂”異性愛的定義,精髓和本質就是男人優先”等等。可能是因為把它當一般的知識來吸收-有點像在看維基百科的某一條目那樣,所以比較沒有什麼疑惑和想問的。如果常碰到老師而時間很悠閒沒限制,可能會隨便丟幾個問題然後邊聽邊想吧。


鄭雯芳 / 2012-06-15

第一次讀書會

 在讀書會的前段,韋達用投影片為大家介紹 昆汀·塔倫提諾Quentin Tarantino)的幾部電影:《黑色追緝令》、《追殺比爾》和比較近期的《惡棍特工》

,並討論了幾個昆汀電影的特色:日常生活的英雄斷裂的故事、充斥的垃圾話暴力展演。討論中也點出昆汀作品中出現假模仿,嘲弄和反英雄風格。謝世宗老師建議大家在寫影評的時候,可以找主軸把給串起來,抓出主軸便有提綱挈領地成效。而較不相關或無法說明清楚的地方可以先不放進來。

 

妤安… 韋達的影評,讓人有慵懶坐在沙發上的輕鬆感覺。

 

韋達… 而我覺得還有可以改進的地方。… 應該可以加更多的參考資料。

 

韋達介紹完 昆汀·塔倫提諾Quentin Tarantino)的電影風格和謝世宗老師的補充後,接著由妤安帶領,討論其他讀書會成員寫的影評。

 

妤安:接下來討論的是《冥王星早餐,這也讓我知道了片名叫《冥王星早餐》的原由。

 

沛縉介紹了冥王星早餐的劇情,包括劇中男主角 派特里克(Patrick Braden)的家庭背景,個人特質,性別認同,和他尋母的旅程(可參考沛縉的影評-劇情的部分)

沛縉也講述在影評中沒提到的部分,即派特里克的朋友(最後和派特里克一起撫養孩子的那位)和她的另一半的感情發展,而這部分也反映了導演的看法。

 

妤安… 也提到了這部片由音樂貫穿全片。

 

沛縉… 每段前面都有一首歌。我對音樂的背景就研究不深了

 

老師… 剛上映的電影和這些上映很久的,經典電影的影評寫法會有不同。剛上映的電影是不會寫詳細的劇情的。有時需要依看影評的哪些人以及影評的目的來寫作,例如對於還沒看過電影的觀眾,須要留一些空白,留一些吸引人的鉤子”…。影評中需要給一些影片的基本資料,不用太細。可以給幾個角度切入(例如三個)

 

老師… 也提到北愛爾蘭的社會背景和角色的關係

沛縉近年才停火,之前和不列顛有衝突。

 

老師主角是個去政治性的人物,可多申論此處。觀眾也許也會期待更多進一步討論。… 還有男主角是同性戀?

 

沛縉影片包含很多主題,似乎難以用單一主題去歸類。

 

老師想起一部也是北愛爾蘭導演的電影:《Crying Game》,很推薦大家去看。這些電影出現變性人,同性戀的角色,不知道是否和北愛當時的政治社會氛圍有關,或許也可以分析。

 

接著由致豪介紹電影《陽陽》的劇情大綱。

 

致豪陽陽的家庭是兩個單親家庭再組成的家,女主角外表陽光,而運鏡和角色的表情呈現出,女主角心想的和表面上的樣子不一致。有一段是女主角和姊姊喜歡的男生發生關係後來她在運動場上被誣賴後的反應和一般人的反應不一樣,讓人震驚。女主角在不同的角色間遊走。電影結束的時候,是沒有明確的結局,像是說電影結束,人生還是繼續要跑下去。

 

妤安:結局有點沉重?

 

老師:建議大家影評打完以後,記得找出錯字。片名也要加上《》,影評最後一段用故事的結尾做結束很不錯也要避免也些重複的地方。影評有寫出讓她人有共鳴的地方友加入感想和有感情的地方也不錯。不一定要寫的太死板或太硬,而感情則是要有節制。另外,鬥馬是什麼?如果沒有解釋,或許可以刪掉。

 

妤安介紹的電影是《挪威的森林》,導演是陳英雄,原著則是村上春樹的作品。

 

妤安村上春樹的作品是以意識流的方式寫作,電影則是呈現出導演自己所看到的部分。書和電影各有其靈魂。另外影評中也挑了對人物、故事、音樂、光影,其中印象深刻的部分來寫。

 

韋達裡面有美麗的草原配上Radiohead的音樂。

鎮源電影裡包含水的意象,用畫面來說明意象

 

老師可以給影評下一個標題,說明底下的重點是什麼,重心在哪裡。文章要寫的短又有重點也是挑戰。裡面提到攝影風格特色,可能容易流於浮面。也許可以多談電影和小說的關係,以避免擺盪在中間。

 

寧遠介紹的電影是蔡明亮的《愛情萬歲》。

 

寧遠故事大綱,大致就是影評上所說的。我是把電影地場景或鏡頭分段記錄下來,再檢查有沒有重複出現或有關係的部分

 

老師蔡明亮有一部更早的作品《青少年哪吒》。你這裡的內容比較像是影評前的準備工作或筆記,之後的分析要從中做篩選。挑選出來分析的元素如果太孤立,做什麼解釋就都有可能。要將它與其他元素做勾連。例如也可以將電影做這樣的解釋:三個人這麼接近,卻還是這麼孤單這裡有注意到一些細節是不錯然後是要把筆記做整理。

 

老師蔡明亮的影片,很多人會去寫影評有比較多的可以寫。例如也可以從空間做切入:除了小姐,其他人都沒有自己的空間而公共空間對角色設下種種規則,所有的角色都在規則下求生,試圖打規則。

 

老師:可以試著寫老梗電影的影評。無趣的電影也能寫出好的影評是很厲害的。


鄭雯芳 / 2012-06-15

第四次讀書會

 一、主題簡述

第四次聚會,採取較自由的方式。主要由同學帶頭討論兩部電影,《四百擊》和《獨立時代》。

 

二、內容摘要

討論題目

寧遠:法國新浪潮的興起背景是?(他是一種技法還是?)

共同討論整理

前述:二次大戰後的法國,阿爾及利亞和越南戰爭,國內僵化的制度,西歐左派勢力的削弱,醞釀了年輕人對政治和社會的不滿。有不同型式的藝術作品在描寫這樣的狀態。在1950年代末到1960年代,在法國有一大群導演拍出許多作品,這些作品的共同性可以說是在反對當時傳統的或正確的電影技法和以明星,吸引人的劇情和有資歷的導演主導的電影環境。這樣的浪潮,即這樣多人加入到一個電影運動,在歷史上甚是難得。法國新浪潮的代表人物,例路易·馬盧Louis Malle)、楚浮Francois Truffaut)、尚盧·高達Jean-Luc Godard)、埃里克·侯麥(Éric Rohmer)克勞德·夏布洛(Claude Chabrol) 賈克·希維特Jacques Rivette)等人中,許多是《電影筆記》影評雜誌的年輕影評人。許多人都受到安德烈·巴贊(André Bazin)和義大利新現實主義電影的影響。

而巴贊的理論在50年代引起西方的轟動,衝擊傳統的蒙太奇電影理論。巴贊的理論主要表現在兩方面:

(1) “電影是現實的漸近線 巴贊在《攝影影象本體論》提到攝影的美學特徵在於它能揭示真實”。與戲劇相比較,電影衝破觀眾與舞台的距離感而更接近生活;與繪畫相比較,活動攝影本質上更客觀和生動;與文學相比較,視覺比文學形象更為真切和直觀。由此,巴贊得出了這樣的結論:電影藝術具有紀實的特徵,而義大利新現實主義則可以說是為他的理論提供實踐。巴贊在評價新現實主義的影片中談到:“它是生活中的各個具體時刻無主次輕重之分的串聯:本體論的平等從根本上打破了戲劇的範疇”。

 

(2) 場面調度的理論:巴贊認為:“敘事的真實性是與感性的真實性針鋒相對的,而感性的真實性是首先来自空間的真實”。意思是說,如蒙太奇這樣的手法,固然可以藉由對時間和空間的切割來強化敘事,但濫用的結果卻讓電影失去了揭示真實和能力。為了呈現感性的真實(相對於主觀的敘事)需要尊重感性的真實空間和時間”,“在一視同仁的空間同一性之中保存物體”。通過不加修飾的畫面來顯示含義的藝術技巧的,構成了巴贊的“場面調度”理論,也有人稱其為“景深鏡頭”理論或“長鏡頭”理論。

新的技法如長鏡頭、快速剪輯,較自然的演員表演方式等等,即支持著新浪潮導演們的理念。綜合來說,法國新浪潮包含了新的電影技法,是追求真實這理念的電影革新運動。


討論《四百擊》的外國影評

作者:高達  出處:1959《電影筆記》

藉著四百擊,法蘭索瓦.楚浮晉身當代的影壇,同時地,也進入了我們舊時的童年。如同Bernanos筆下被羞辱的孩子,如同Roger Vitrac筆下,在威權中的孩子,如同Melville Cocteau的,那些寵壞的了孩子,如同Vigo(在殘酷的學校裏)的孩子,如同Rossellini(電影裡那些給坦克扔汽油彈)的孩子,同樣的,因為這部電影,我們也將迎來了「楚浮的孩子」一辭。很快的,人們將把「楚浮的孩子」掛在嘴上,就像一般人習慣講的,「Bengal Lancers(孟加拉組舞)」、「spoil-sports(搞笑運動)」、「Mafia chiefs(黑手黨頭子)」、「road-hogs(佔道駕駛)」,也跟我們常說的,「影迷」一辭一樣。在「四百擊」中,我們可以看見「偷吻」裏的導演,又執掌了攝影機。但,不是「捅」到像Hawks老漢子,那樣的男人之間,而是低低地,放進孩子們的世界裏。如果,年過三十,我們用「過檻了」一辭來形容,有確鑿的傲慢含意的話,那麼,「未入世」,同樣意味著未滿十六歲的驕傲:四百擊,因此,將會是最驕傲、最倔強,最固執,換言之,也將是世上最自由的一部電影。從道德的層面來說,它是的。從審美的角度來說,它更如是。

這片子裏,攝影師Henri Decae(亨利.狄凱),用Dyaliscope體拍攝出來的影像,有如「Tarnished Angels(碧海青天夜夜心)」一樣,讓我們目眩,裡頭的情節,跟「Juvenile Passion」一樣新穎輕快。片子的台辭和姿態,又像「Baby Face Nelson」一樣苛刻。剪輯,跟「The Goddess (女神)」一樣的精緻。同樣是處女作,這片子跟「The Left-handed Gun (左手神槍)」一樣,踩出了早熟的足跡

我掉的這些書袋,不是從我的打字機上胡亂敲出來的,它們的出處,是法蘭索瓦.楚浮在一九五八年列「十佳電影」的名單。四百擊,也正能貼切地加進這個迷人的片單中。總之,我該怎麼說呢?四百擊,該要這樣被標注:坦白、快節奏的、藝術性的、新穎的、原創性十足的電影技術、莽撞的、正經八百的、悲劇、革新、高票房回收的、奇想、殘暴、感動人的、普羅的、以及,溫柔。

一些感想:

開始看《四百擊》時,我的感覺是:這小孩(男主角)好頑皮!但是我不確定這樣頑皮在當時的法國是不是過頭了。如果大家都不會因為被老師打罵而傷心和在意,我懷疑那樣的情境或者可以理解成歐洲國家的教育比較活潑,所以學生不怕老師。隨著劇情的推進,我看到男孩逃家,偷東西,被碎到教養院等等,甚至看到鄰居家少年成天在望晃蕩和迷失的影子,,才確定了即使在將近半個世紀以前的法國故事,還是能用台灣的生活經驗來理解而相呼應的。在高達的影評裡,提到它是坦白的,普羅的,是喚起大家孩提記憶的,是票房回收的,正好得到了印證:由於電影所表現的是那樣的坦白,是取材自人們內心的某種共性,以致於它可以跨越半個世紀,激起另外一群完全不同背景的人的共鳴。

高達提及電影手法的革新,原創性,我想就需要對當時法國電影環境有所了解,才能由對比而感受之。經典的電影可能早已在這許多年間發揮巨大的影響,以至於我們所習慣的,接觸的影視作品的題材和技法中早有經典之作的影子所以我們早就習慣了,感受不到經典原作的新意。所以所謂的革新與原創性,與普羅性比較起來,須要多一些的考察和體會,較倚賴於文化的差異和時間跨度。

高達的影評並不長篇大論。或許是作品本身的坦白使得影評一樣直接簡單,又或許是動人的評論本來就不需要人工地用共多框架去拆解、重購一部電影。後者可能變成知見障,讓影評的心戴上有色眼鏡觀看世界。楚浮做為一位影評人,能拍出真摯感人的電影,我們練習做個影評人,當然要小心別要用文字和思想扭曲了電影的真實。

 

 Author : JoeytheBrit

Reference: www.moviemoviesite.com

The making of his debut movie must have been a nerve-wracking experience for François Truffaut; one of the most aggressive of the Cahiers du Cinema critics, Truffaut was not averse to lambasting the works of such accepted French masters as Rene Clair and Marcel Carne, and was laying himself wide open for a critical mauling when he took up his movie-distributor father-in-law's challenge to put his money where his mouth was and make a movie of his own. However, with The 400 Blows Truffaut was to prove conclusively that, not only did he know what he was writing about, he also knew how to put his cinematic theories into practice. Not only did he create a sublime and perceptive portrait of a young boy's drift into delinquency, he also helped to revolutionise the art of film-making throughout the world.

Concealed beneath a series of deceptively simple vignettes, The 400 Blows is a complex examination of the destructive forces at work on an intelligent and creative, but misunderstood and neglected, Parisian child. Although no naughtier than the average child, Antoine Doinel (Jean-Pierre Léaud) is forever finding himself in trouble, either with his teachers, his parents, or the authorities; sharing a cramped apartment with his unloving mother and largely ineffectual father, Antoine is regularly singled out for punishment by his bad-tempered teacher. During the course of the film, a series of incidents result in Jean-Pierre running away from home and turning to a life of petty crime before inevitably ending up in a centre for juvenile delinquents.

Based on Truffaut's own troubled childhood, The 400 Blows (known in its native land as Les Quatre Cent Coups, which roughly equates to 'raising hell' in English) looks as fresh today as it must have done when first released nearly half-a-century ago. In fact, were it not for the tell-tale fashions and designs of the 50s, anyone unfamiliar with the movie would be hard-pushed to place it within any period during the last 50 years. And, by the same measure, it is completely different from anything that had gone before, either in France or abroad. Embracing all the principles of the style of film-making that would come to be known as New Wave, Truffaut allowed his camera to simply observe the daily routine of young Antoine, never judging or criticising any of its characters, while firmly placing the viewer amongst the characters. There is no plot to speak of, but a faithful presentation of a sequence of events that, although rooted in the mundane, range from quietly heartbreaking to achingly lyrical. In one justly famous scene – that would probably be cut if the same film were to be made today – the camera lingers on the faces of a group of young children watching a puppet show, and brilliantly captures the innocence we all once possessed, and that is now slipping away from Antoine; at the age of twelve, he is already on the cusp of corruption, and the children's world of innocent wonder is closed to him. It is an incredibly simple, yet equally powerful, scene.

In Antoine Doinel, Truffaut has created a character that will remain with the viewer long after that famous final stop-motion zoom shot; he's spirited, irrepressible and impulsive, and suffers the consequences of these qualities – and the petty cruelty of the adults around him – with an unquestioning stoicism that suggests it is the only kind of treatment he has ever known. Fated to suffer setbacks at everything he attempts – an essay written in homage to Balzac is interpreted as plagiarism by his teacher, and the tiny shrine he builds to the author nearly burns down his flat – one suspects that, even at such an early age, he has already realised, and come to terms with, the fact that such will be his lot through life.

Léaud's performance is simply stunning, and still stands as the greatest screen performance by a child actor. Watching him – and he is on screen for most of the film – one forgets one is watching an actor, so natural is his performance. Near the end of the movie, when Antoine is interviewed by a child psychiatrist, one can believe Léaud is relating episodes from his own life rather than following pre-determined lines. There is no precociousness here, no attempt to hijack the viewer's emotions, and – as Truffaut has contested – Léaud effortlessly stamps his character on the role without allowing it to overwhelm the film.

The movie ends with a series of long shots that run with Antoine as he flees from the Juvenile Detention Centre. He runs with a single-mindedness of purpose and, as the camera faithfully runs with him, it is as if the film itself is breaking free of conventional cinematic techniques, as if it can't bear to be parted from its subject. Finding the ocean he has always wanted to see, Antoine must, at last, stop running. He has escaped, if only for a little while, the past that has troubled him; but, frozen by Truffaut's camera, that last look back suggests that, on some instinctive level, he realises he can never truly escape, and that still he will have to return to face his fate.

內容分析及回應:

從這篇文章可以看到,關於人物的選角和導演自身的經歷,是使這部影片成功俘虜觀眾的原因。文中從許多的攝影的畫面安排及劇情中的小細節,配合上導演自我的親身經歷,使觀眾覺得能深入其境,感同身受。由於許多的鏡頭都是在主角的臉部上做特寫,所以我們可以深刻感受主角的情緒變化,那種壓抑 渴望以及困惑的神情,藉由演員精湛的演出,完美的詮釋出來。文中也提及了,許多電影畫面的鏡頭作為導演的語言在片中大量出現,這個手法在楚浮這個年代以前出是較少被使用的,或句話說楚浮這不影片也可以視為是導演語言(電影語言)以及風格化的誕生。所以,文中也提及了許多場景的運鏡。但是關於文中那個一群孩童對著螢幕觀看的片段,作者將他解釋為是顯露出孩童的天真爛漫和片中主角作為一種對比,我覺得也可以解釋為導演的語言。藉由這個鏡頭,楚浮將鏡頭延伸至觀眾,好像那群孩童是攝影機的前方,鏡頭朝著前方無限延伸,而在這個延伸的鏡頭之外,就是觀眾了。也就是在這一刻,不再是我們在觀看窺視著電影中的每個人物,反過來電影中的人物也在看我們,我們會好奇他們在看甚麼同時他們也會想著我們在做的事,藉由這個畫面,導演讓電影人物與觀眾連結,電影不再是死沉沉的發生於現實外的事,是能和現實世界作為連結的方式,當然連結的橋梁就是攝影機及攝影方式,而這一切,有關風格化和電影語言甚至是和現實連結,都是楚浮身在的這個法國新浪潮所提倡的概念,作為一個引領新浪潮的角色,楚浮這部影片成功的展示新浪潮導演們對於電影的另一種想法。文中提及片尾的運鏡那段我覺得寫得十分詳細,本片最精采也是那幕回頭的一看,文中所提及的移動的鏡頭在現在看來好像很平凡,但是我們很難想像五十年前,像這樣的攝影方式到底存不存在,或許這就是一個跨時代的運景也說不定。而文中提到最後那一幕男孩回頭,螢幕停止停止的那段很精采,作者把男主角的自由解放帶到解放的那種失落,搭配上醞釀壓抑已久的情緒,在片尾的最後一幕呈現出來,我們可以看到的是男主角臉上的多種複雜表情,原以為這樣就結束了,但是導演還特地停留了幾秒,暗示著這樣的情緒及片段是被攝影機凝結在那個當下的時空,藉由影片,好像我們可以捕捉這樣的一個記憶及時空,但是從男主角的角度來看,所有被固定和捕捉的地方都不是自由的去處。所以,作者最後這段結尾並沒有提到,但是我在猜想他是不是想說,只有沒有被電影或者說鏡頭所捕捉到的地方,也就是沒有被權力(觀眾)所窺視的地方才有自由存在呢? 就像我們永遠看不到海的盡頭一樣,就是因為沒有盡頭,才沒有權利的介入,因此有無限的自由。那對於身處在這個世界,無時無刻不被規範窺視著的男主角或說我們,自由到底在哪裡呢? 或者說,我們真的有自由嗎? 導演不以語言,由畫面提出了這個深刻的問題,等待觀眾的反思。

 

3.《恐怖分子》討論

 

獨立時代可以看作由大量的對手戲組合而成。每一場對手戲或由兩個,或由數個角色之間的互動構成,有趣的是這些對手戲幾乎分布在所有角色之間,也就是說任兩個角色之間都可能有互動,而每個角色都身處複雜的人際網路之中,如下圖。角色之間的對話則是呈現了現實中種種人際地考量、計算、表面功夫,矛盾和摩擦。許多有趣又辛辣的對白則是諷刺了中國人處世之道中表裡不一和鄉愿的一面。這些人物包括了公務員,文化產業和藝術工作者,商人。

   
人際網路中媚俗、鄉愿和虛偽延伸到販賣廉價情感的節目或迎合大眾口味文化產業,正好可以與藝術或思想的真誠與深刻做對比,發人深省。有趣、傳神的對白,很能刻畫真實眾生相的樣貌,而巧妙的人物性格安排,則形成一個各對於同一個提問,有著不同的回應,可茲相互對照的小組。新獨立時代還包含了對於選擇嚴肅的,冷僻的某些題材,是否是把自己從群眾和現實中孤立起來,有所反思。我認為新獨立時代在提出問題,例如我們社會中的人際關係藝術的本質",和借著巧妙安排對白和劇情來刻劃社會氛圍和眾生相,有很棒的表現。

 

 

 



鄭雯芳 / 2012-06-15

影評讀書會

 第一次讀書會

 一、主題簡述

 在讀書會的前段,韋達用投影片為大家介紹 昆汀·塔倫提諾Quentin Tarantino)的幾部電影:《黑色追緝令》、《追殺比爾》和比較近期的《惡棍特工》

,並討論了幾個昆汀電影的特色:日常生活的英雄斷裂的故事、充斥的垃圾話暴力展演。討論中也點出昆汀作品中出現假模仿,嘲弄和反英雄風格。謝世宗老師建議大家在寫影評的時候,可以找主軸把給串起來,抓出主軸便有提綱挈領地成效。而較不相關或無法說明清楚的地方可以先不放進來。

 二、內容摘要

 

妤安… 韋達的影評,讓人有慵懶坐在沙發上的輕鬆感覺。

韋達… 而我覺得還有可以改進的地方。… 應該可以加更多的參考資料。

韋達介紹完 昆汀·塔倫提諾Quentin Tarantino)的電影風格和謝世宗老師的補充後,接著由妤安帶領,討論其他讀書會成員寫的影評。

妤安:接下來討論的是《冥王星早餐,這也讓我知道了片名叫《冥王星早餐》的原由。

沛縉介紹了冥王星早餐的劇情,包括劇中男主角 派特里克(Patrick Braden)的家庭背景,個人特質,性別認同,和他尋母的旅程(可參考沛縉的影評-劇情的部分)

沛縉也講述在影評中沒提到的部分,即派特里克的朋友(最後和派特里克一起撫養孩子的那位)和她的另一半的感情發展,而這部分也反映了導演的看法。

妤安… 也提到了這部片由音樂貫穿全片。

沛縉… 每段前面都有一首歌。我對音樂的背景就研究不深了

老師… 剛上映的電影和這些上映很久的,經典電影的影評寫法會有不同。剛上映的電影是不會寫詳細的劇情的。有時需要依看影評的哪些人以及影評的目的來寫作,例如對於還沒看過電影的觀眾,須要留一些空白,留一些吸引人的鉤子”…。影評中需要給一些影片的基本資料,不用太細。可以給幾個角度切入(例如三個)

老師… 也提到北愛爾蘭的社會背景和角色的關係

沛縉近年才停火,之前和不列顛有衝突。

老師主角是個去政治性的人物,可多申論此處。觀眾也許也會期待更多進一步討論。… 還有男主角是同性戀?

沛縉影片包含很多主題,似乎難以用單一主題去歸類。

老師想起一部也是北愛爾蘭導演的電影:《Crying Game》,很推薦大家去看。這些電影出現變性人,同性戀的角色,不知道是否和北愛當時的政治社會氛圍有關,或許也可以分析。

接著由致豪介紹電影《陽陽》的劇情大綱。

致豪陽陽的家庭是兩個單親家庭再組成的家,女主角外表陽光,而運鏡和角色的表情呈現出,女主角心想的和表面上的樣子不一致。有一段是女主角和姊姊喜歡的男生發生關係後來她在運動場上被誣賴後的反應和一般人的反應不一樣,讓人震驚。女主角在不同的角色間遊走。電影結束的時候,是沒有明確的結局,像是說電影結束,人生還是繼續要跑下去。

妤安:結局有點沉重?

老師:建議大家影評打完以後,記得找出錯字。片名也要加上《》,影評最後一段用故事的結尾做結束很不錯也要避免也些重複的地方。影評有寫出讓她人有共鳴的地方友加入感想和有感情的地方也不錯。不一定要寫的太死板或太硬,而感情則是要有節制。另外,鬥馬是什麼?如果沒有解釋,或許可以刪掉。

妤安介紹的電影是《挪威的森林》,導演是陳英雄,原著則是村上春樹的作品。

妤安村上春樹的作品是以意識流的方式寫作,電影則是呈現出導演自己所看到的部分。書和電影各有其靈魂。另外影評中也挑了對人物、故事、音樂、光影,其中印象深刻的部分來寫。

韋達裡面有美麗的草原配上Radiohead的音樂。

鎮源電影裡包含水的意象,用畫面來說明意象

老師可以給影評下一個標題,說明底下的重點是什麼,重心在哪裡。文章要寫的短又有重點也是挑戰。裡面提到攝影風格特色,可能容易流於浮面。也許可以多談電影和小說的關係,以避免擺盪在中間。

寧遠介紹的電影是蔡明亮的《愛情萬歲》。

寧遠故事大綱,大致就是影評上所說的。我是把電影地場景或鏡頭分段記錄下來,再檢查有沒有重複出現或有關係的部分

老師蔡明亮有一部更早的作品《青少年哪吒》。你這裡的內容比較像是影評前的準備工作或筆記,之後的分析要從中做篩選。挑選出來分析的元素如果太孤立,做什麼解釋就都有可能。要將它與其他元素做勾連。例如也可以將電影做這樣的解釋:三個人這麼接近,卻還是這麼孤單這裡有注意到一些細節是不錯然後是要把筆記做整理。

老師蔡明亮的影片,很多人會去寫影評有比較多的可以寫。例如也可以從空間做切入:除了小姐,其他人都沒有自己的空間而公共空間對角色設下種種規則,所有的角色都在規則下求生,試圖打規則。

老師:可以試著寫老梗電影的影評。無趣的電影也能寫出好的影評是很厲害的。

好萊塢的電影傳統與台灣電影的關係

 一、主題簡述

由於第一次的讀書會中,老師認為我們影評撰寫有一定的基礎之後,除了從經典藝術片練習影評之外,可以嘗試挑戰不一樣的,所以在這次讀書會之前,老師請我們先寫一篇影評,主題是好萊塢的「老梗片」,片單由我們自己訂定。我們透過線上討論之後,訂出來的片單如下:變形金剛三、神鬼奇航四、蜘蛛人三、暮光之城系列、歌舞青春三、國家寶藏、鐵達尼號、新天生一對。

我們在著手去寫的時候,才發現到老梗片反而不好寫,無法一概去探討影片的深刻內涵,我們很容易去挑出該片邏輯上的錯誤,而且為大場面或特效之類的成果,都不需要我們特別在影評中為它打廣告,至於其中所傳達的價值也可能找不太到,但也並非一定沒有。那麼要寫什麼呢?以下就同學們寫的影評列舉三篇作說明:

 

二、內容摘要

()黃致豪同學寫《變形金剛》

致豪同學從拍攝手法、劇情的編排兩個角度來寫。拍攝手法方面,他提出特效、大場面,能夠展現導演的大器,以及對鏡頭掌握精準。至於劇情方面,則提出本片與其他好萊塢大片不同的地方,在於導演設定變形金剛反而能夠拯救人類,而非以往總是將人類設定為救世主。

老師的觀點:

針對致豪同學的影評,老師提出,其實在拍攝手法上,今日科幻片的特效,再怎麼花俏都已不再驚人,我們不需為它打廣告。至於所傳達的價值,可以從美國個人主義的觀點來進一步論述,例如好萊塢電影往往拯救世界的只有一小群人,突顯出美國的個人主義思維。

 

()曹妤安同學寫《國家寶藏》

妤安同學將《國家寶藏》與《達文西密碼》作比較,她著墨較多的地方是劇情的鋪排方面,比較兩者的角色演技、鏡頭、情節緊湊,以及有趣的對白等。

老師的觀點:

老師提醒大家不要描述過多的劇情,而忽略分析的部分。劇情可以由觀眾自行觀賞,找出有趣的成分,佔了過多的篇幅其實意義不大。

 

()呂寧遠同學寫《神鬼奇航:幽靈海》

寧遠同學先一小段篇幅介紹劇情,接著為本片下一個命題:「信仰和愛情元素綴飾的平淡冒險」,認為本片是一個以預言和復仇為命題,以愛情和信仰做主軸的奇幻冒險,也搭配了其他的支線故事來強化動機;另外他再附帶一提關於演員演技不錯,特效與奇幻元素不足,稍嫌平淡。

老師的觀點:

這樣以命題的方式為電影下註解,或許是一個可以嘗試的方法,只不過一個大命題之下,其中的子題可以再列點分別論述,避免給讀者冗長的閱讀感。

 

三、結語

雯芳同學:我覺得老梗片看得開心,但要下筆寫出影評,反而非常難以下筆,不知道可以寫什麼。就像老師所說的,我們不用特別恭維該部片的特效或是著墨太多劇情,脫離以往撰寫影評的敘事方式,我們我們可以再嘗試個一兩部老梗片,就能夠熟悉方法了。

老師:這次因為時間的關係,我們沒有辦法提到台灣電影的部分,同學們可以自行去圖書館的書來閱讀,例如《台灣電影的愛與死》、《過影》,先有一番了解,接著探討台灣電影發展受好萊塢電影的影響層面,以及觀眾的觀影習慣等,會是一個很有趣的功課。

第三次讀書會

 一、主題簡述

本次讀書會討論主題是比較情色驚悚片<凶線第六感>以及恐怖片<德州電鋸殺人狂>,這兩者類型電影的差異。進行方式是同學自行在看完<凶線第六感>後提交影評,老師在看完影評後提出類型電影影評的寫作需要注意什麼事情,以及驚悚片與恐怖片的差異。在讀書會後半則看<德州電鋸殺人狂>,比較兩者異同。

二、內容摘要

  類型電影因為各種文類的公式,讓觀眾在觀影過程會有所期待,而觀眾則在期待的滿足中得到娛樂的效果。

1.      驚悚片和恐怖片的不同

驚悚片:強調懸疑,要先知道你看的東西是什麼,他的出處和目的。要對電影中某一個角色產生認同感,但是加害者、被害者和偵查者的角色可能會在過程中被置換。

恐怖片:物化了人,人在恐怖片中時常是一種祭品,他們被肢解、物化以滿足觀眾的慾望。觀眾並不會想要知道人物的想法為何、背後發生過什麼故事,僅僅想要看到他沒受害以滿足慾望。

2.      類型電影,他必須要在各個時代都能夠受好萊塢或全球市場的歡迎,例如科幻電影、驚悚電影、冒險片、災難片。像現在最受歡迎的應該是恐怖與驚悚元素結合的電影,不過可能是偏恐怖的元素。類型電影我們必須要常常看,知道他的公式是什麼,像IN THE CUT因為是類型電影,我們才能夠用女性主義的觀點去跟他對話。

3.      商業電影:成本越多,他所需要的回收就會越大,最大的成本是在於演員,換句話說就是用演員的年輕價值來換取全球票房。出資者是很重要的,包括在什麼時候上映、還有電影的分級是什麼,暴力與性愛場景怎麼呈現,都會對他的成本回收有很大的關係。

4.      藝術片,他背後的出資國時常是政府的art funding,他的商業考量比較少,不是要講求獲利,能夠獲利反而是因為要在影展中拿獎而得到全球發行權。因為他不用考慮獲利問題,市場需求和為誰而拍,所以比較可以去拍自己想要拍的東西。In the cut就是屬於藝術電影。

5.      寫影評的時候很重要的一點是要去看出資者是誰,成本是多少、類型是什麼。因為電影都會做市場區隔,當觀眾對象是不一樣的時候,寫影評的方式也不一樣,要知道是為誰而寫,寫給誰看。寫商業影評的時候,當他是一個商業商品時,影評要放在那裏、寫給誰看是不一樣的,最影評者要知道電影是什麼,要怎麼評論他。電影不見得會有高下之分,因為它們是在不同的價值框架中。

6.      類型電影的影評,就要注意到這部電影有沒有做到類型電影的公式,讓觀眾有被娛樂到,回去可以繼續討論,或另一方面他跟這種文類的歷史傳統有所對話,有的話他在這樣的框架中就是好片。專業影評要學的就是文類裡面的意象,他們被訓練辨認文類的結構、公式。同時也會受到女性主義、酷兒(queer theory)理論、後殖民理論的影響,這些東西在好片中是不能犧牲的。如果一部電影沒有辦法在內容中對於後殖民或性別的意象進行反省或重新的詮釋,那我們就會說他是一部爛片。

7.      全球化的電影工業。歐洲導演常常會稱自己是film maker,而不是director,在於他認知自己是在全球化電影工業中的其中一個角色。現今電影的製作是沒有辦法由單一位導演獨立完成的,在現今電影工業之中,幾乎所有電影都是由非單一國家出資完成的,包括導演、編劇、製作、演員、燈光,他是由非常龐大人力物力完成的工作,因此他定位自己是這個體系下的一個環節,是一個film maker,而不是一個film director

 三、每人心得

  家茵:

因為是第一次參加影評讀書會,我才知道原來在寫影評的時候需要有這麼多背景知識,也因此知道自己在寫影評時並沒有將他放在一個框架之中撰寫,而僅僅是用自己在看電影的過程中捕捉到的符號與畫面去詮釋。認知到電影這個巨大工業背後的齒輪正在轉動著,這樣被拉到一個高度去審視看電影這件事情,我覺得獲得很多。

 寧遠:

老師講的內容很有趣(雖然我自己好像有點跟不太上那些思緒)。其實送老師去坐公車,跟大家散步到校門口的感覺也很好,不過當時我沒想到什麼想問老師的。
把《In the Cut》心得放上FB以後,我去找一本很迷你的女權主義來翻,只看了大概40多頁。看到女權主義有很多流派,看到社會建構性別和生理性別的差異、對男女是否/如何差異的說法很謹慎小心,還有有人認為所謂異性愛的定義,精髓和本質就是男人優先等等。可能是因為把它當一般的知識來吸收-有點像在看維基百科的某一條目那樣,所以比較沒有什麼疑惑和想問的。如果常碰到老師而時間很悠閒沒限制,可能會隨便丟幾個問題然後邊聽邊想吧。

第四次讀書會

 一、主題簡述

第四次聚會,採取較自由的方式。主要由同學帶頭討論兩部電影,《四百擊》和《獨立時代》。

 

二、內容摘要

討論題目

寧遠:法國新浪潮的興起背景是?(他是一種技法還是?)

共同討論整理:

前述:二次大戰後的法國,阿爾及利亞和越南戰爭,國內僵化的制度,西歐左派勢力的削弱,醞釀了年輕人對政治和社會的不滿。有不同型式的藝術作品在描寫這樣的狀態。在1950年代末到1960年代,在法國有一大群導演拍出許多作品,這些作品的共同性可以說是在反對當時傳統的或正確的電影技法和以明星,吸引人的劇情和有資歷的導演主導的電影環境。這樣的浪潮,即這樣多人加入到一個電影運動,在歷史上甚是難得。法國新浪潮的代表人物,例如 路易·馬盧(Louis Malle)、楚浮(Francois Truffaut)、尚盧·高達(Jean-Luc Godard)、埃里克·侯麥(Éric Rohmer)、克勞德·夏布洛(Claude Chabrol)與賈克·希維特(Jacques Rivette)等人中,許多是《電影筆記》影評雜誌的年輕影評人。許多人都受到安德烈·巴贊(AndréBazin)和義大利新現實主義電影的影響。

而巴贊的理論在50年代引起西方的轟動,衝擊傳統的蒙太奇電影理論。巴贊的理論主要表現在兩方面:

(1) “電影是現實的漸近線”: 巴贊在《攝影影象本體論》提到”攝影的美學特徵在於它能揭示真實”。與戲劇相比較,電影衝破觀眾與舞台的距離感而更接近生活;與繪畫相比較,活動攝影本質上更客觀和生動;與文學相比較,視覺比文學形象更為真切和直觀。由此,巴贊得出了這樣的結論:電影藝術具有紀實的特徵,而義大利新現實主義則可以說是為他的理論提供實踐。巴贊在評價新現實主義的影片中談到:“它是生活中的各個具體時刻無主次輕重之分的串聯:本體論的平等從根本上打破了戲劇的範疇”。

 

(2) 場面調度的理論:巴贊認為:“敘事的真實性是與感性的真實性針鋒相對的,而感性的真實性是首先来自空間的真實”。意思是說,如蒙太奇這樣的手法,固然可以藉由對時間和空間的切割來強化敘事,但濫用的結果卻讓電影失去了揭示真實和能力。為了呈現感性的真實(相對於主觀的敘事),需要”尊重感性的真實空間和時間”,“在一視同仁的空間同一性之中保存物體”。通過不加修飾的畫面來顯示含義的藝術技巧的,構成了巴贊的“場面調度”理論,也有人稱其為“景深鏡頭”理論或“長鏡頭”理論。

新的技法如長鏡頭、快速剪輯,較自然的演員表演方式等等,即支持著新浪潮導演們的理念。綜合來說,法國新浪潮包含了新的電影技法,是追求”真實”這理念的電影革新運動。

 

討論《四百擊》的外國影評

作者:高達  出處:1959 《電影筆記》

藉著四百擊,法蘭索瓦.楚浮晉身當代的影壇,同時地,也進入了我們舊時的童年。如同Bernanos筆下被羞辱的孩子,如同Roger Vitrac筆下,在威權中的孩子,如同Melville Cocteau的,那些寵壞的了孩子,如同Vigo(在殘酷的學校裏)的孩子,如同Rossellini(電影裡那些給坦克扔汽油彈)的孩子,同樣的,因為這部電影,我們也將迎來了「楚浮的孩子」一辭。很快的,人們將把「楚浮的孩子」掛在嘴上,就像一般人習慣講的,「Bengal Lancers(孟加拉組舞)」、「spoil-sports(搞笑運動)」、「Mafia chiefs(黑手黨頭子)」、「road-hogs(佔道駕駛)」,也跟我們常說的,「影迷」一辭一樣。在「四百擊」中,我們可以看見「偷吻」裏的導演,又執掌了攝影機。但,不是「捅」到像Hawks老漢子,那樣的男人之間,而是低低地,放進孩子們的世界裏。如果,年過三十,我們用「過檻了」一辭來形容,有確鑿的傲慢含意的話,那麼,「未入世」,同樣意味著未滿十六歲的驕傲:四百擊,因此,將會是最驕傲、最倔強,最固執,換言之,也將是世上最自由的一部電影。從道德的層面來說,它是的。從審美的角度來說,它更如是。

這片子裏,攝影師Henri Decae(亨利.狄凱),用Dyaliscope體拍攝出來的影像,有如「Tarnished Angels(碧海青天夜夜心)」一樣,讓我們目眩,裡頭的情節,跟「Juvenile Passion」一樣新穎輕快。片子的台辭和姿態,又像「Baby Face Nelson」一樣苛刻。剪輯,跟「The Goddess (女神)」一樣的精緻。同樣是處女作,這片子跟「The Left-handed Gun (左手神槍)」一樣,踩出了早熟的足跡…。

我掉的這些書袋,不是從我的打字機上胡亂敲出來的,它們的出處,是法蘭索瓦.楚浮在一九五八年列「十佳電影」的名單。四百擊,也正能貼切地加進這個迷人的片單中。總之,我該怎麼說呢?四百擊,該要這樣被標注:坦白、快節奏的、藝術性的、新穎的、原創性十足的電影技術、莽撞的、正經八百的、悲劇、革新、高票房回收的、奇想、殘暴、感動人的、普羅的、以及,溫柔。

一些感想:

開始看《四百擊》時,我的感覺是:這小孩(男主角)好頑皮!但是我不確定這樣頑皮在當時的法國是不是過頭了。如果大家都不會因為被老師打罵而傷心和在意,我懷疑那樣的情境或者可以理解成”歐洲國家的教育比較活潑,所以學生不怕老師”。隨著劇情的推進,我看到男孩逃家,偷東西,被碎到教養院等等,甚至看到鄰居家少年成天在望晃蕩和迷失的影子,,才確定了即使在將近半個世紀以前的法國故事,還是能用台灣的生活經驗來理解而相呼應的。在高達的影評裡,提到它是坦白的,普羅的,是喚起大家孩提記憶的,是票房回收的,正好得到了印證:由於電影所表現的是那樣的坦白,是取材自人們內心的某種共性,以致於它可以跨越半個世紀,激起另外一群完全不同背景的人的共鳴。

高達提及電影手法的革新,原創性,我想就需要對當時法國電影環境有所了解,才能由對比而感受之。經典的電影可能早已在這許多年間發揮巨大的影響,以至於我們所習慣的,接觸的影視作品的題材和技法中早有經典之作的影子—所以我們早就習慣了,感受不到經典原作的新意。所以所謂的革新與原創性,與普羅性比較起來,須要多一些的考察和體會,較倚賴於文化的差異和時間跨度。

高達的影評並不長篇大論。或許是作品本身的坦白使得影評一樣直接簡單,又或許是動人的評論本來就不需要人工地用共多框架去拆解、重購一部電影。後者可能變成”知見障”,讓影評的心戴上有色眼鏡觀看世界。楚浮做為一位影評人,能拍出真摯感人的電影,我們練習做個影評人,當然要小心別要用文字和思想扭曲了電影的真實。

 

 Author : JoeytheBrit

Reference: www.moviemoviesite.com

The making of his debut movie must have been a nerve-wracking experience for François Truffaut; one of the most aggressive of the Cahiers du Cinema critics, Truffaut was not averse to lambasting the works of such accepted French masters as Rene Clair and Marcel Carne, and was laying himself wide open for a critical mauling when he took up his movie-distributor father-in-law's challenge to put his money where his mouth was and make a movie of his own. However, with The 400 Blows Truffaut was to prove conclusively that, not only did he know what he was writing about, he also knew how to put his cinematic theories into practice. Not only did he create a sublime and perceptive portrait of a young boy's drift into delinquency, he also helped to revolutionise the art of film-making throughout the world.

Concealed beneath a series of deceptively simple vignettes, The 400 Blows is a complex examination of the destructive forces at work on an intelligent and creative, but misunderstood and neglected, Parisian child. Although no naughtier than the average child, Antoine Doinel (Jean-Pierre Léaud) is forever finding himself in trouble, either with his teachers, his parents, or the authorities; sharing a cramped apartment with his unloving mother and largely ineffectual father, Antoine is regularly singled out for punishment by his bad-tempered teacher. During the course of the film, a series of incidents result in Jean-Pierre running away from home and turning to a life of petty crime before inevitably ending up in a centre for juvenile delinquents.

Based on Truffaut's own troubled childhood, The 400 Blows (known in its native land as Les Quatre Cent Coups, which roughly equates to 'raising hell' in English) looks as fresh today as it must have done when first released nearly half-a-century ago. In fact, were it not for the tell-tale fashions and designs of the 50s, anyone unfamiliar with the movie would be hard-pushed to place it within any period during the last 50 years. And, by the same measure, it is completely different from anything that had gone before, either in France or abroad. Embracing all the principles of the style of film-making that would come to be known as New Wave, Truffaut allowed his camera to simply observe the daily routine of young Antoine, never judging or criticising any of its characters, while firmly placing the viewer amongst the characters. There is no plot to speak of, but a faithful presentation of a sequence of events that, although rooted in the mundane, range from quietly heartbreaking to achingly lyrical. In one justly famous scene – that would probably be cut if the same film were to be made today – the camera lingers on the faces of a group of young children watching a puppet show, and brilliantly captures the innocence we all once possessed, and that is now slipping away from Antoine; at the age of twelve, he is already on the cusp of corruption, and the children's world of innocent wonder is closed to him. It is an incredibly simple, yet equally powerful, scene.

In Antoine Doinel, Truffaut has created a character that will remain with the viewer long after that famous final stop-motion zoom shot; he's spirited, irrepressible and impulsive, and suffers the consequences of these qualities – and the petty cruelty of the adults around him – with an unquestioning stoicism that suggests it is the only kind of treatment he has ever known. Fated to suffer setbacks at everything he attempts – an essay written in homage to Balzac is interpreted as plagiarism by his teacher, and the tiny shrine he builds to the author nearly burns down his flat – one suspects that, even at such an early age, he has already realised, and come to terms with, the fact that such will be his lot through life.

Léaud's performance is simply stunning, and still stands as the greatest screen performance by a child actor. Watching him – and he is on screen for most of the film – one forgets one is watching an actor, so natural is his performance. Near the end of the movie, when Antoine is interviewed by a child psychiatrist, one can believe Léaud is relating episodes from his own life rather than following pre-determined lines. There is no precociousness here, no attempt to hijack the viewer's emotions, and – as Truffaut has contested – Léaud effortlessly stamps his character on the role without allowing it to overwhelm the film.

The movie ends with a series of long shots that run with Antoine as he flees from the Juvenile Detention Centre. He runs with a single-mindedness of purpose and, as the camera faithfully runs with him, it is as if the film itself is breaking free of conventional cinematic techniques, as if it can't bear to be parted from its subject. Finding the ocean he has always wanted to see, Antoine must, at last, stop running. He has escaped, if only for a little while, the past that has troubled him; but, frozen by Truffaut's camera, that last look back suggests that, on some instinctive level, he realises he can never truly escape, and that still he will have to return to face his fate.

內容分析及回應:

從這篇文章可以看到,關於人物的選角和導演自身的經歷,是使這部影片成功俘虜觀眾的原因。文中從許多的攝影的畫面安排及劇情中的小細節,配合上導演自我的親身經歷,使觀眾覺得能深入其境,感同身受。由於許多的鏡頭都是在主角的臉部上做特寫,所以我們可以深刻感受主角的情緒變化,那種壓抑 渴望以及困惑的神情,藉由演員精湛的演出,完美的詮釋出來。文中也提及了,許多電影畫面的鏡頭作為導演的語言在片中大量出現,這個手法在楚浮這個年代以前出是較少被使用的,或句話說楚浮這不影片也可以視為是導演語言(電影語言)以及風格化的誕生。所以,文中也提及了許多場景的運鏡。但是關於文中那個一群孩童對著螢幕觀看的片段,作者將他解釋為是顯露出孩童的天真爛漫和片中主角作為一種對比,我覺得也可以解釋為導演的語言。藉由這個鏡頭,楚浮將鏡頭延伸至觀眾,好像那群孩童是攝影機的前方,鏡頭朝著前方無限延伸,而在這個延伸的鏡頭之外,就是觀眾了。也就是在這一刻,不再是我們在觀看窺視著電影中的每個人物,反過來電影中的人物也在看我們,我們會好奇他們在看甚麼同時他們也會想著我們在做的事,藉由這個畫面,導演讓電影人物與觀眾連結,電影不再是死沉沉的發生於現實外的事,是能和現實世界作為連結的方式,當然連結的橋梁就是攝影機及攝影方式,而這一切,有關風格化和電影語言甚至是和現實連結,都是楚浮身在的這個法國新浪潮所提倡的概念,作為一個引領新浪潮的角色,楚浮這部影片成功的展示新浪潮導演們對於電影的另一種想法。文中提及片尾的運鏡那段我覺得寫得十分詳細,本片最精采也是那幕回頭的一看,文中所提及的移動的鏡頭在現在看來好像很平凡,但是我們很難想像五十年前,像這樣的攝影方式到底存不存在,或許這就是一個跨時代的運景也說不定。而文中提到最後那一幕男孩回頭,螢幕停止停止的那段很精采,作者把男主角的自由解放帶到解放的那種失落,搭配上醞釀壓抑已久的情緒,在片尾的最後一幕呈現出來,我們可以看到的是男主角臉上的多種複雜表情,原以為這樣就結束了,但是導演還特地停留了幾秒,暗示著這樣的情緒及片段是被攝影機凝結在那個當下的時空,藉由影片,好像我們可以捕捉這樣的一個記憶及時空,但是從男主角的角度來看,所有被固定和捕捉的地方都不是自由的去處。所以,作者最後這段結尾並沒有提到,但是我在猜想他是不是想說,只有沒有被電影或者說鏡頭所捕捉到的地方,也就是沒有被權力(觀眾)所窺視的地方才有自由存在呢? 就像我們永遠看不到海的盡頭一樣,就是因為沒有盡頭,才沒有權利的介入,因此有無限的自由。那對於身處在這個世界,無時無刻不被規範窺視著的男主角或說我們,自由到底在哪裡呢? 或者說,我們真的有自由嗎? 導演不以語言,由畫面提出了這個深刻的問題,等待觀眾的反思。

 

3.《恐怖分子》討論

 

獨立時代可以看作由大量的對手戲組合而成。每一場對手戲或由兩個,或由數個角色之間的互動構成,有趣的是這些對手戲幾乎分布在所有角色之間,也就是說任兩個角色之間都可能有互動,而每個角色都身處複雜的人際網路之中,如下圖。角色之間的對話則是呈現了現實中種種人際地考量、計算、表面功夫,矛盾和摩擦。許多有趣又辛辣的對白則是諷刺了中國人處世之道中表裡不一和鄉愿的一面。這些人物包括了公務員,文化產業和藝術工作者,商人。

   
 人際網路中媚俗、鄉愿和虛偽延伸到販賣廉價情感的節目或迎合大眾口味文化產業,正好可以與藝術或思想的真誠與深刻做對比,發人深省。有趣、傳神的對白,很能刻畫真實眾生相的樣貌,而巧妙的人物性格安排,則形成一個各對於同一個提問,有著不同的回應,可茲相互對照的小組。新獨立時代還包含了對於選擇嚴肅的,冷僻的某些題材,是否是把自己從群眾和現實中孤立起來,有所反思。我認為新獨立時代在提出問題,例如我們社會中的人際關係藝術的本質",和借著巧妙安排對白和劇情來刻劃社會氛圍和眾生相,有很棒的表現。


鄭雯芳 / 2012-06-15

第二次讀書會_好萊塢的電影傳統與台灣電影的關係

 一、主題簡述

由於第一次的讀書會中,老師認為我們影評撰寫有一定的基礎之後,除了從經典藝術片練習影評之外,可以嘗試挑戰不一樣的,所以在這次讀書會之前,老師請我們先寫一篇影評,主題是好萊塢的「老梗片」,片單由我們自己訂定。我們透過線上討論之後,訂出來的片單如下:變形金剛三、神鬼奇航四、蜘蛛人三、暮光之城系列、歌舞青春三、國家寶藏、鐵達尼號、新天生一對。

我們在著手去寫的時候,才發現到老梗片反而不好寫,無法一概去探討影片的深刻內涵,我們很容易去挑出該片邏輯上的錯誤,而且為大場面或特效之類的成果,都不需要我們特別在影評中為它打廣告,至於其中所傳達的價值也可能找不太到,但也並非一定沒有。那麼要寫什麼呢?以下就同學們寫的影評列舉三篇作說明:

 

二、內容摘要

(一)黃致豪同學寫《變形金剛》

致豪同學從拍攝手法、劇情的編排兩個角度來寫。拍攝手法方面,他提出特效、大場面,能夠展現導演的大器,以及對鏡頭掌握精準。至於劇情方面,則提出本片與其他好萊塢大片不同的地方,在於導演設定變形金剛反而能夠拯救人類,而非以往總是將人類設定為救世主。

老師的觀點:

針對致豪同學的影評,老師提出,其實在拍攝手法上,今日科幻片的特效,再怎麼花俏都已不再驚人,我們不需為它打廣告。至於所傳達的價值,可以從美國個人主義的觀點來進一步論述,例如好萊塢電影往往拯救世界的只有一小群人,突顯出美國的個人主義思維。

 

(二)曹妤安同學寫《國家寶藏》

妤安同學將《國家寶藏》與《達文西密碼》作比較,她著墨較多的地方是劇情的鋪排方面,比較兩者的角色演技、鏡頭、情節緊湊,以及有趣的對白等。

老師的觀點:

老師提醒大家不要描述過多的劇情,而忽略分析的部分。劇情可以由觀眾自行觀賞,找出有趣的成分,佔了過多的篇幅其實意義不大。

 

(三)呂寧遠同學寫《神鬼奇航:幽靈海》

寧遠同學先一小段篇幅介紹劇情,接著為本片下一個命題:「信仰和愛情元素綴飾的平淡冒險」,認為本片是一個以預言和復仇為命題,以愛情和信仰做主軸的奇幻冒險,也搭配了其他的支線故事來強化動機;另外他再附帶一提關於演員演技不錯,特效與奇幻元素不足,稍嫌平淡。

老師的觀點:

這樣以命題的方式為電影下註解,或許是一個可以嘗試的方法,只不過一個大命題之下,其中的子題可以再列點分別論述,避免給讀者冗長的閱讀感。

 

三、結語

雯芳同學:我覺得老梗片看得開心,但要下筆寫出影評,反而非常難以下筆,不知道可以寫什麼。就像老師所說的,我們不用特別恭維該部片的特效或是著墨太多劇情,脫離以往撰寫影評的敘事方式,我們我們可以再嘗試個一兩部老梗片,就能夠熟悉方法了。

老師:這次因為時間的關係,我們沒有辦法提到台灣電影的部分,同學們可以自行去圖書館的書來閱讀,例如《台灣電影的愛與死》、《過影》,先有一番了解,接著探討台灣電影發展受好萊塢電影的影響層面,以及觀眾的觀影習慣等,會是一個很有趣的功課。


鄭雯芳 / 2012-06-15

第一次讀書會記錄

 在讀書會的前段,韋達用投影片為大家介紹 昆汀·塔倫提諾Quentin Tarantino)的幾部電影:《黑色追緝令》、《追殺比爾》和比較近期的《惡棍特工》

,並討論了幾個昆汀電影的特色:日常生活的英雄斷裂的故事、充斥的垃圾話暴力展演。討論中也點出昆汀作品中出現假模仿,嘲弄和反英雄風格。謝世宗老師建議大家在寫影評的時候,可以找主軸把給串起來,抓出主軸便有提綱挈領地成效。而較不相關或無法說明清楚的地方可以先不放進來。

 

妤安韋達的影評,讓人有慵懶坐在沙發上的輕鬆感覺。

 

韋達而我覺得還有可以改進的地方。應該可以加更多的參考資料。

 

韋達介紹完 昆汀·塔倫提諾Quentin Tarantino)的電影風格和謝世宗老師的補充後,接著由妤安帶領,討論其他讀書會成員寫的影評。

 

妤安:接下來討論的是《冥王星早餐,這也讓我知道了片名叫《冥王星早餐》的原由。

 

沛縉介紹了冥王星早餐的劇情,包括劇中男主角 派特里克(Patrick Braden)的家庭背景,個人特質,性別認同,和他尋母的旅程(可參考沛縉的影評-劇情的部分)

沛縉也講述在影評中沒提到的部分,即派特里克的朋友(最後和派特里克一起撫養孩子的那位)和她的另一半的感情發展,而這部分也反映了導演的看法。

 

妤安也提到了這部片由音樂貫穿全片。

 

沛縉每段前面都有一首歌。我對音樂的背景就研究不深了

 

老師剛上映的電影和這些上映很久的,經典電影的影評寫法會有不同。剛上映的電影是不會寫詳細的劇情的。有時需要依看影評的哪些人以及影評的目的來寫作,例如對於還沒看過電影的觀眾,須要留一些空白,留一些吸引人的鉤子”…。影評中需要給一些影片的基本資料,不用太細。可以給幾個角度切入(例如三個)

 

老師也提到北愛爾蘭的社會背景和角色的關係

沛縉近年才停火,之前和不列顛有衝突。

 

老師主角是個去政治性的人物,可多申論此處。觀眾也許也會期待更多進一步討論。還有男主角是同性戀?

 

沛縉影片包含很多主題,似乎難以用單一主題去歸類。

 

老師想起一部也是北愛爾蘭導演的電影:《Crying Game》,很推薦大家去看。這些電影出現變性人,同性戀的角色,不知道是否和北愛當時的政治社會氛圍有關,或許也可以分析。

 

接著由致豪介紹電影《陽陽》的劇情大綱。

 

致豪陽陽的家庭是兩個單親家庭再組成的家,女主角外表陽光,而運鏡和角色的表情呈現出,女主角心想的和表面上的樣子不一致。有一段是女主角和姊姊喜歡的男生發生關係後來她在運動場上被誣賴後的反應和一般人的反應不一樣,讓人震驚。女主角在不同的角色間遊走。電影結束的時候,是沒有明確的結局,像是說電影結束,人生還是繼續要跑下去。

 

妤安:結局有點沉重?

 

老師:建議大家影評打完以後,記得找出錯字。片名也要加上《》,影評最後一段用故事的結尾做結束很不錯也要避免也些重複的地方。影評有寫出讓她人有共鳴的地方友加入感想和有感情的地方也不錯。不一定要寫的太死板或太硬,而感情則是要有節制。另外,鬥馬是什麼?如果沒有解釋,或許可以刪掉。

 

妤安介紹的電影是《挪威的森林》,導演是陳英雄,原著則是村上春樹的作品。

 

妤安村上春樹的作品是以意識流的方式寫作,電影則是呈現出導演自己所看到的部分。書和電影各有其靈魂。另外影評中也挑了對人物、故事、音樂、光影,其中印象深刻的部分來寫。

 

韋達裡面有美麗的草原配上Radiohead的音樂。

鎮源電影裡包含水的意象,用畫面來說明意象

 

老師可以給影評下一個標題,說明底下的重點是什麼,重心在哪裡。文章要寫的短又有重點也是挑戰。裡面提到攝影風格特色,可能容易流於浮面。也許可以多談電影和小說的關係,以避免擺盪在中間。

 

寧遠介紹的電影是蔡明亮的《愛情萬歲》。

 

寧遠故事大綱,大致就是影評上所說的。我是把電影地場景或鏡頭分段記錄下來,再檢查有沒有重複出現或有關係的部分

 

老師蔡明亮有一部更早的作品《青少年哪吒》。你這裡的內容比較像是影評前的準備工作或筆記,之後的分析要從中做篩選。挑選出來分析的元素如果太孤立,做什麼解釋就都有可能。要將它與其他元素做勾連。例如也可以將電影做這樣的解釋:三個人這麼接近,卻還是這麼孤單這裡有注意到一些細節是不錯然後是要把筆記做整理。

 

老師蔡明亮的影片,很多人會去寫影評有比較多的可以寫。例如也可以從空間做切入:除了小姐,其他人都沒有自己的空間而公共空間對角色設下種種規則,所有的角色都在規則下求生,試圖打規則。

 

老師:可以試著寫老梗電影的影評。無趣的電影也能寫出好的影評是很厲害的。

 


鄭雯芳 / 2012-04-18
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